Esta es una exhibición creada con la experiencia de mostrar las obras que el artista Mauricio Gallardo Ponce considera sus obras en contacto con el espíritu del movimiento, el transito humano y el espíritu de la pintura.

Entendiendo por esto pinturas de gran formato que fueron pensadas en el estudio como una forma de confirmación espiritual con esta profesión, que inicialmente no tenían la intención de ser mostradas, pero que con el tiempo ellas mismas han reclamado su exposición al público.

Esto sugiere varias cosas, primero que hay algo más grande que el discurso personal del artista, pareciera entonces que las pinturas comienzan a tener opinión sobre su destino, cada pieza está esperando una vida, un entorno, una historia por ser contada con el tiempo,  lo segundo tiene que ver con la oposición al pensamiento contemporáneo, que sugiere que somos herederos de pensamientos individuales que surgen de las tendencias de una época, entonces estas piezas serían hijas del trabajo presentado por Henry Rousseau, de Seraphine Luis,  de los arriesgados paisajes de Peter Doig, o de los ambientes psicodélicos de Daniel Richter, sin embargo en la obra de Mauricio Gallardo Ponce existen otros comienzos.

Son más valiosos los murales hechos por los tlacuilos de Tlatelolco, que inspiraron al pintor de estos cuadros a hablar sobre lo cotidiano en la simpleza de la vida común, ¿pero qué vida común?, la del pasado que se confunde en algún momento con el presente, pareciera que las recolectoras de Millet y de Van Gogh, incluso las de Agnes Bardá,  hablan sobre el tiempo libre de los trabajadores, es una época marcada por las revoluciones tecnológicas, por la relación que tiene el trabajo con el ocio, con el descanso, con el disfrutar la vida incluso cuando se vive en una conexión directa con el trabajo duro, sin embargo en las pinturas de Mauricio Gallardo Ponce, esto tiene un origen distinto, el trabajo colectivo en estas piezas no tienen un contenido de rebelión sobre la explotación del trabajo, como lo vemos en el muralismo de Diego Rivera y Clemente Orozco, en este neo-muralismo no se habla sobre las dimensiones, como en el hiperrealismo, ni de la vida de la ciudad misma y el espacio público como en el grafiti, en este neo-muralismo se reflexiona sobre lo verdaderamente humano, la empatía, el descubrimiento de un nuevo lugar, el valorar a nuestra especie no como una variante de la lucha del más fuerte, establecida en el Darwinismo, sino por la colaboración social de un grupo. Que no pretende luchar entre sí, sino generar emoción compartida sobre algo tan común como la recolección de plumas por un niño, o unos pescadores observando lo que la naturaleza nos da,  esto nos sugiere que hace algún tiempo no existían los conceptos de riqueza y pobreza que ahora definen todo, existen descubrimientos personales, que al hacerse colectivos marcan una pauta a lo que históricamente construimos, un muralismo antes de la invención misma del muralismo, un muralismo que habla sobre el humano sin nacionalidades, en lugar de eso este neo-muralismo habla sobre lo portátil, son murales que pueden enrollarse e irse a viajar, como la humanidad misma ha hecho durante toda su historia.

Y finalmente la tercer diferencia, estas pinturas no partieron de la mimesis, todas fueron imaginadas, el debate de Gauguin sobre lo imaginario y la mimesis, aquí se rompe con una declaración poscolonial, el indoamericano, el mexicano precolombino, el habitante de la naturaleza, sea del presente o del pasado, piensa, actúa, cree, tiene fe, borra las diferencias entre arte, religión, medicina, no cabe en el catálogo de lo folclórico, del pensamiento mágico, tiene sus propias formas de encontrar conocimiento, de hacer ciencia sin el método, de hacer relaciones entre lo espiritual y lo concreto, esta visto desde cerca, no es solo parte de un paisaje o de la visión estética de un creador, la muerte es concreta, pero hablar con los muertos es ambiguo, ¿Cómo se hace eso?, ¿es real?, las dos cosas las podemos ver en el cuadro de la espiritista, las creencias y los hechos, pueden fácilmente confundirse en esta propuesta artística.

Una cueva que muestra a los primeros pobladores de la humanidad sintiendo empatía por el dolor de uno de sus miembros, una selva mostrando el primer humano en cruzar la montaña para ver al otro lado, seres humanos cruzando la tierra en un bote para observar el otro lado del planeta, estos son algunos de los temas pensados en las pinturas de Mauricio Gallardo Ponce.

Los temas de sus pinturas siempre están relacionados con el tránsito de las personas a la libre relación que tiene la humanidad con la migración, pero abordando este tema desde una perspectiva humana y espiritual, el hombre del pasado no sabía de fronteras, pero si sabía de conceptos naturales, de fuerzas del medio que le obligaban a entender a fondo lo que significa dar un paso en el abismo de lo desconocido.

Retomando esta afirmación de Margaret Mead, sobre el fémur, cuenta la leyenda que la famosa investigadora, en una clase respondió a la pregunta, ¿Cuál es el inicio de la civilización?, los alumnos esperaban una respuesta tecnológica, cuando existió la agricultura quizás, cuando descubrimos como modificar los entornos, cuando inventamos la construcción, cuando pasamos de nómadas a sedentarios quizás, pero Margaret Mead contestó. Cuando cuidamos a un enfermo, mostrando un fémur soldado después de una fractura, esta afirmación rompe con el darwinismo, pero también con la idea de que el humano solo mata y destruye, no se pueden comparar 35000 años de historia humana directamente relacionada al espíritu de la creación, de la música, de la pintura, del descubrimiento, con 500 años de deterioro ambiental causado por nuestras búsquedas económicas como especie.

Iluminaciones es una invitación a la audiencia a repensar lo que somos cómo humanidad en estos días, a revalorar el significado de lo que es nuestra huella en el planeta, así como nuestra relación con el entorno y cómo esto afecta directamente a nuestro interior.

Cuando viajamos, cuando dejamos nuestra vida, confiamos en nuestra naturaleza, en nuestros instintos. Pintar desde este lugar es más valioso que dar respuestas. Pintar también es una forma de viajar, pero al interior de lo que siempre hemos sido como especie. Pintar es una forma de oponerse a lo que supuestamente es nuestro comienzo histórico, pintar es una forma concreta de plantear dilemas filosóficos y sociales, la pintura es un objeto de lujo que sirve para ser contemplado o es un objeto de poder que representa todas las almas que formaron lo que es nuestro conocimiento, nuestro descubrimiento constante, los humanos somos seres que luchan y matan, que engañan y dan guerras por invadir o colonizar, o el humano construye y ayuda a otros, el humano es más que solo una especie, es un animal que posee espíritu, y que percibe a los otros espíritus también, homo sapiens que evoluciona a homo espiritualis, iluminado por su propio redescubrimiento.

 

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